domingo, 3 de mayo de 2020

Todo lo que debemos saber sobre Miranda!

Miranda! es una banda argentina de pop liderada por los cantantes Alejandro Sergi y Juliana Gattas.
Se formó a mediados de 2001​ y su nombre es un homenaje al actor argentino Osvaldo Miranda.


Antes de Miranda!, Alejandro Sergi y Juliana Gattas formaron un dúo llamado «Lirio», donde él cumplía papel de programador, reversionando temas de jazz en estilo electrónico y ella cantaba. Para sus presentaciones, que se realizaban en Cemento (lugar que vio nacer y crecer a la banda), Alejandro Sergi decide componer un tema propio llamado «Imán», y al tocarlo en vivo vieron que las reacciones fueron positivas.
Leandro Fuentes, conocido como «Lolo», era una de las personas del público, al quedar fascinado con su presentación, decide encararlos para formar una banda.

Miranda! debutó en los escenarios en julio de 2001, formada por sus tres fundadores e integrantes, presentaban una demo de cuatro canciones que luego estarían incluidas en su primer álbum.​ Poco más adelante, se les uniría en el rol de programador Bruno de Vincenti.
Luego de una primera temporada recorriendo el circuito under en la que se presentaron en recitales de propuestas independientes y fiestas electrónicas, Miranda! consiguió el 3° puesto en el rubro "Revelación 2002" de la encuesta anual de la revista Rolling Stone y fue uno de los candidatos al Premio Clarín 2002, del rubro "Espectáculo", en la categoría "Música rock revelación". Otra de las condecoraciones que consiguió en ese año fue que el vocalista y guitarrista de Soda Stereo, Gustavo Cerati, votó a la canción «Imán» como la mejor del año en la encuesta del Suplemento Sí! de Clarín.

 En noviembre de 2002 lanzaron su primer álbum titulado Es mentira, producido por Bruno de Vincenti en su estudio Acum23. El mismo fue editado por el sello independiente Secsy Discos, con colaboración del canal televisivo Locomotion, en donde se exhibieron y difundieron los primeros cortes de difusión, como los videoclips de «Bailarina», «Imán», «Tu juego» y «Agua».​

Sus glamorosas, melodramáticas y concurridas presentaciones, los ubicaron como el grupo más destacado de la escena indie-electrónica porteña, recibiendo el apodo de "el monstruo del under".
A fin de ese mismo año, Osvaldo Miranda conoció al conjunto en cuestión en un encuentro en el Festival "Patas Arriba", en un bar de la Capital Argentina.

 En mayo de 2003, Nicolás Grimaldi («Monoto»), se incorporó a la banda destacándose en el bajo. Por otro lado, luego de sus primeras apariciones en MTV, ofrecieron su primer concierto en un teatro, algo que sin duda marcaría una etapa decisiva en la carrera musical de sus integrantes.
Fue en el ND/Ateneo de la Ciudad de Buenos Aires, donde ocho horas antes de la presentación se agotaron las 600 localidades de la sala. En esa velada se presentó como invitado Gustavo Cerati, que interpretó junto a la banda el tema «Tu cicatriz en mí» (remixado por Miranda!), y la canción «Tu juego».

 En 2004, y con su último vídeo rodado, «Agua», lanzaron su segundo álbum titulado Sin restricciones. Este fue producido por Eduardo Schmidt y Pablo Romero, integrantes de Árbol. Entre sus canciones más importantes cabe destacar a «Yo te diré», «Navidad» y, el éxito más grande del grupo, «Don». En esta última, la frase «Es un solo... Es la guitarra de Lolo», se convirtió en furor en todo el continente americano.

El álbum fue editado por el sello Secsy Discos con colaboración de Locomotion, mezclado en los estudios Panda en Buenos Aires y remasterizado en Los Ángeles, Estados Unidos, por Tom Baker. Fue lanzado y presentado el 21 de septiembre en el ND/Ateneo, y debido a la gran venta de entradas, debieron agregar una función más para ese mismo día.
 Finalizando el año, el grupo repitió su suerte siendo nominado por segunda vez para los premios "MTV Video Music Awards Latinoamérica", pero esta vez en la categoría "Mejor Banda Alternativa de la región". En diciembre, firman con el sello Pelo Music.​

 En 2005, luego de la difusión mediática por Iberoamérica, realizan un concierto en el teatro Gran Rex de Buenos Aires, presentación que fue grabada para editarla en un DVD que salió meses más tarde bajo el nombre En vivo sin restricciones!, que incluía la mayoría de sus temas más un tema que nunca fue grabado en estudio, pero que formó parte de sus presentaciones en vivo durante sus primeros años, llamado «Salgamos».​
En el mes de septiembre telonearon a Moby en Santiago de Chile.

 En enero de 2006 la banda es convocada para asistir al clásico festival anual de música Cosquín Rock, junto a artistas como: Skay Beilinson (Guitarrista del grupo Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota), Las Pelotas, entre otros. Durante ese periodo, la propuesta de la banda es mostrada a más países latinoamericanos, entre ellos Perú y Puerto Rico.
En febrero, alcanzan uno de los puntos más altos de su carrera, al lograr ser reconocidos con la totalidad de los premios en el Festival de Viña del Mar (Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y Gaviota de Plata).

En 2006 también se presentaron en Paraguay para el Pilsen Rock frente a 45.000 personas, junto a las bandas 2 Minutos y Attaque 77, aunque solo tocaron 3 temas.
 Durante la entrega de los Premios Martín Fierro 2006, fiesta anual dedicada a destacar los mejores programas de la televisión argentina, realizaron una presentación con repertorio de canciones de antiguas telenovelas argentinas como homenaje a las mismas. Las canciones, durante la actuación, fueron reversionadas al estilo de la banda.
De ahí surgió la idea de realizar un EP con estas mismas canciones, el cual se llamaría Quereme!. El primer corte fue «Quereme!... Tengo frío», canción interpretada originalmente por por Marilina Ross, que pertenecía a la cortina musical de la telenovela Piel Naranja que brilló durante la década de 1970.

Durante el mismo año, la banda visita la ciudad de La Paz en Bolivia, con motivo del festival Urban Fest, compartiendo escenario con La Mosca Tsé-Tsé, otra banda de origen argentino. El 3 de febrero de 2007, Miranda! se presentó por segunda vez con Pimpinela, en un recital de entrada gratuita. Para demostrar la unidad entre ambas agrupaciones, durante ese recital decidieron llamarse "Pimpiranda!".​
No todo lo ocurrido en esa presentación fue alegría, ya que por motivo de diferencias artísticas, esa sería la última vez donde Bruno de Vincenti compartiría un concierto con Miranda!. Luego de su alejamiento, y paralelo a la presentación de Miranda! con Fangoria en su gira de España, la banda lanzó su tercer disco de estudio, titulado El disco de tu corazón.
El mismo tuvo un muy buen recibimiento en cuanto a ventas, gracias a su primer corte de difusión: «Prisionero». Además, tuvieron bastante influencia en el público las canciones «Hola», «Perfecta», «Amanece junto a mí», entre otras. Este nuevo trabajo discográfico contó con la colaboración de artistas como Julieta Venegas (en la canción «Perfecta»), y de Fangoria (en «Vete de aquí»).​
 A finales de 2007, y ya habiendo lanzado su segundo videoclip del disco, deciden publicar El disco de tu corazón + vivo, el cual incluía dos CD: el primero sería el original grabado en estudio, y el segundo, incluiría las doce canciones que interpretaron el 9 y 10 de agosto, de ese mismo año, en el teatro Gran Rex, acompañado con las versiones remezcladas de «Perfecta» (con la voz de Juliana Gattas en lugar de la de Julieta Venegas) y «Prisionero», más los videoclips de «Prisionero», «Hola» (que sería canción de entrada de la telenovela argentina La Lola) y «Perfecta».
Conforme pasaba el año, Miranda! continuó realizando presentaciones en el complejo bailable Niceto Club hasta terminado el año.

 Luego del videoclip de la canción «Enamorada», en marzo de 2008, volvieron a Paraguay para presentarse en la fiesta "Labbat Blue", donde compartieron espacio esta vez, con un grupo de la misma línea musical, DIVA.
 El 25 de julio de 2008 lanzan su primer álbum recopilatorio, El Templo del Pop (CD+DVD). El nuevo material discográfico estaba compuesto por un CD compilado que reunía los más grandes éxitos de la banda, así como también dos nuevas canciones: «Chicas» y «Mi propia vida», más «Mirandamix», un remix a cargo de DJ Deró. El DVD estaba compuesto de diecisiete videoclips realizados por la agrupación a lo largo de su carrera.
 A mitad de ese mismo año, se presentaron en un festival caritativo conocido como Un sol para los chicos en el teatro Luna Park, siendo estos la atracción principal de la noche. Su público no pudo evitar impacientarse al enterarse del nuevo corte de difusión lanzado en junio de 2009, llamado «Mentía», que pertenece al nuevo álbum que la banda lanzaría en agosto del mismo año, llamado Es Imposible!.​
En noviembre, lanzaron en medios televisivos e Internet el vídeo de «Lo que siento por ti», segundo sencillo de Es imposible!.
En diciembre del mismo año, lanzan Miranda Directo!, un CD+DVD que recogía imágenes de lo que fue la presentación de la banda en el Teatro Gran Rex el día 2 de octubre de 2009.

En junio de 2010, saldría el vídeo oficial de «Tu misterioso alguien», tercer sencillo del mencionado álbum. En noviembre de ese mismo año, en su cuenta de Facebook estrenaron su nuevo sencillo «Ritmo y decepción», que estaría incluido en el álbum que lanzarían al año siguiente.

 En junio de 2011, coincidiendo con su décimo aniversario, el grupo reveló el nombre de su siguiente álbum: Magistral, que inmediatamente sería promocionado con el segundo corte de difusión titulado «Ya lo sabía».​

En 2012 Juliana Gattas y Ale Sergi formaron parte del jurado del programa de Telefe La voz argentina. También el vocalista formó un grupo alterno junto a Marcelo Moura, lanzando un disco de estudio nuevo llamado Choque.

En 2013 siguieron estrenando otros sencillos con sus correspondientes videoclips de las canciones «Dice lo que siente» y «Puro talento». El 19 de diciembre de 2013 lanzaron su nuevo sencillo «Extraño» en sus redes sociales. En el mismo año Ale Sergi fue jurado del programa de Telefe Tu cara me suena. También, ponen música a la película argentina Caídos del mapa, con la canción «Gran Amistad».

 El 22 de enero de 2014 se confirmó que el guitarrista Leandro «Lolo» Fuentes no formaría más parte de la banda; esta noticia no paralizó a la banda, ya que siguieron haciendo su nuevo disco titulado Safari. Los sencillos más populares han sido las canciones «Fantasmas» y «Extraño».
En paralelo, Lolo preparaba su carrera musical para lanzarse como solista.

 El 24 de enero de 2015 participan en la undécima versión del festival Personal Fest junto a Coti Sorokin, Iceberg del Sur, Illya Kuryaki & The Valderramas, Maxi Trusso y Cirse. El mismo año Ale Sergi y Juliana Gattas son llamados para ser jurados en Elegidos (La música en tus manos) de la cadena Telefe. Ale Sergi en conjunto con Cachorro López, Julieta Venegas y Didi Gutman forma otro grupo alterno a Miranda! llamado Meteoros.

 En 2016 lanzan otro álbum en vivo compuesto por dos CD más un DVD, que incluyen una versión del tema «Amor amarillo» de Gustavo Cerati, «I love it» de Icona Pop y colaboraciones con Los Tipitos. El álbum lleva el nombre de Miranda! Vivo. También se publica el segundo compilado llamado El templo del pop 2.
En 11 de noviembre del mismo año, se estrenó el videoclip del que sería el primer adelanto de su próximo disco, la canción «743». El 5 de octubre de 2016, Ale Sergi presentó otro grupo alterno a Miranda! denominado Satélite 23, el cual esta conformado por él, Diego Poso y Gabriel Lucena. También cuenta con la participación en vivo de Bambi Moreno Charpentier (exbajista de Tan Biónica). Su primer single fue «Aprender a olvidar», que contó con las colaboraciones de Dread Mar-I y Gillespi respectivamente.
Sus últimos álbumes Es Imposible!, Magistral y Safari, han sido ganadores de los Premios Gardel en la categoría "Mejor álbum grupo pop".

 A principios de 2017 lanzan una canción correspondiente a la cortina de la telenovela Quiero vivir a tu lado, que se estrena en Canal 13. Esta canción también sería otro adelanto de su próximo disco.
 El 3 de marzo de 2017, la banda confirma la desvinculación (después de casi 15 años), de Nicolás «Monoto» Grimaldi,​ histórico bajista del grupo desde su salto a la fama. Siendo este uno de los últimos miembros oficiales de la banda.
A partir de su salida, el grupo se presentaría como un dúo. Acompañado en vivo por Anuk Sforza (guitarra), Ludo Morell (batería) y Gabi Lucena (bajo), quién anteriormente participaba de invitado en guitarras, teclados, sintetizadores y samplers. Monoto no obtuvo un reemplazo directo y el grupo siguió presentándose con esta formación hasta la actualidad.
 El 21 de abril de 2017 publicaron un nuevo álbum de estudio titulado Fuerte, producido por Cachorro López y Alejandro Sergi, siendo este el primer material discográfico lanzado bajo el sello Sony Music.​
En el álbum contaron con la participación especial de Natalia Oreiro en el tema «Tu hombre», de Jesús Navarro (cantante de Reik) en el tema «Enero» y de Carlos Sadness en «Cálido y rojo», cuya participación solo salió publicada junto al single que acompaña al videoclip. Además cuenta con la participación de Cachorro López en composición y bajos de varias canciones.
En noviembre del mismo año, realizaron una gira por España después de 10 años, siendo su primera gira en solitario en dicho país.

 El 22 de agosto de 2018, lanzaron un nuevo sencillo con su correspondiente videoclip, titulado «Lejos de vos». El 19 de octubre lanzaron su segundo sencillo del año, llamado «La colisión»...

Continuará...

sábado, 2 de mayo de 2020

Todo lo que debemos saber sobre Almendra

Almendra fue una banda de rock argentino formada en 1967 en el barrio porteño de Belgrano por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), Edelmiro Molinari (guitarra y coros), Emilio del Guercio (bajo y coros) y Rodolfo García (batería). Junto a Manal y Los Gatos es considerado grupo fundacional del rock argentino.


La banda se formó en 1967 y se separó en 1970. 

En 1980 y en 2009 tuvieron dos breves reuniones. En una encuesta de 1985 realizada por Carlos Polimeni para Clarín, en la que participaron músicos y periodistas, su primer álbum Almendra fue considerado por la gran mayoría como el mejor disco de la historia del rock argentino.​

Almendra tuvo su origen a partir de dos bandas de rock en inglés del barrio Bajo Belgrano de Buenos Aires: Los Larkins y Los Sbirros. Los Larkins estaba liderada por Rodolfo García, futuro baterista de Almendra, un muchacho relativamente "grande", cuatro años mayor que "el Flaco" Spinetta. García además, aunque vecino del mismo barrio, iba a un colegio público industrial y trabajaba en un taller mecánico, lo que lo diferenciaba socialmente del grupo que compondría el resto de la banda.

La otra banda que daría origen a Almendra fue Los Sbirros, integrada por alumnos del colegio al que asistía Spinetta, y que estaba liderada por Edelmiro Molinari, quien se destacaba por el dominio de la guitarra eléctrica, y que estaba integrada también por Emilio del Guercio y su hermano Ángel. Spinetta se inició en Los Larkins, pero en un momento tocaba en ambos grupos y los fue aproximando hasta fusionarlos.

 Spinetta cursaba sus estudios secundarios en el colegio católico San Román, ubicado en su barrio de residencia. Con Del Guercio, eran compañeros de clase y de pupitre, donde establecieron una estrecha amistad, compartiendo rebeldías, gustos musicales y artísticos, llegando a formar un dúo, llamado Bundlemen, parelelo a Los Larkins y Los Sbirros, y un periódico en el que ambos dibujaban y satirizaban a sus profesores y al sistema educativo que imperaba entonces.
Ambos versionaban canciones de Los Beatles, pero también interpretaban temas propios que en aquella época no eran bien vistos al ser pop compuesto y cantado en castellano.​

 Los Larkins fueron modificando su integración y cambiando su nombre, primero a Los Masters y luego a Los Mods. Con este nombre grabaron en 1966 un acetato con dos temas en inglés: "Faces and things" y "Free", cuyos autores fueron Guido Meda y Apócrifo, este último el seudónimo elegido por Spinetta para firmar aquellos iniciales temas. Poco a poco Los Mods y Los Sbirros se fueron fusionando, hasta formar un quinteto integrado por Spinetta (voz), Rodolfo García (batería), Emilio del Guercio (bajo), Edelmiro Molinari (guitarra) y Santiago "Chago" Novoa (teclados).

Era fines del año 1966, Del Guercio y Spinetta tenían 16 años y las bases de Almendra ya estaban sentadas. Una de las cosas fundamentales que se hablaron en esa etapa embrionaria fue que sentíamos una ola de cosas que hablaban en castellano, sabíamos que existían Los Gatos Salvajes, Billy Bond... Medio que de ahí salió que nuestra música iba a ser en castellano. En esa etapa ya tenía compuesta "Plegaria para un niño dormido" o la zamba que después hice en Kamikaze ("Barro tal vez"). Lo nuestro era que queríamos ser todo a la vez: Piazzolla, Los Beatles, Los Doble Seis de París.
Íbamos a escuchar jazz, nos gustaba el folklore de vanguardia, en ese momento venía Waldo de los Ríos con sonidos electrónicos y era descomunal, lo veía por televisión y me ponía a llorar porque decía: «Esto también es vanguardia». Escuchábamos a Rovira, a Mederos, un montón de música que no era El Club del Clan.
De todas esas conversaciones y horas perdidas, de todas esas cartas con Rodolfo, parte la premisa de crear una música con una libertad de horizonte total. Almendra no fue una casualidad. El grupo que formaría Almendra estaba listo a principios de 1967, pero Rodolfo García fue convocado al servicio militar. Ese hecho demoró un año la salida de la banda, precisamente en aquel año crucial, en el que "La balsa" de Los Gatos, un original rock cantado en español compuesto por Litto Nebbia y Tanguito, se convertía en un éxito masivo y marcaba el inicio de un nuevo estilo musical que sería conocido en Argentina como "rock nacional".

 En la impasse de 1967, Luis Alberto y Emilio finalizaron el secundario, mientras ambos continuaban tocando con el dúo Bundlemen y Los Sbirros. En junio de 1967 García tuvo unos días de licencia y la banda, aún sin nombre estable, ensayó por primera vez. Pocos días después, durante el viaje de egresados de la división de Spinetta y del Guercio -al que éstos no fueron-, les llega la noticia luego desmentida de que había muerto un compañero del curso, muy amigo de Luis. Conmovido por la noticia escribió el que sería un año después, el primer éxito de la banda: "Tema de Pototo".

 1967, 1968 y 1969 fueron años de grandes transformaciones culturales en Argentina y en el mundo, ubicando a la juventud como grupo social diferenciado: el verano del amor que marcó el nacimiento del movimiento hippie, el asesinato del Che Guevara en Bolivia, el Mayo francés, el Cordobazo. En ese contexto germinan las tendencias que expresaría Almendra en coincidencia con otros jóvenes argentinos embarcados en búsquedas similares, de tomar las vanguardias del tango y el folklore, para originar un tipo de rock con clima local, cantado en español.
El hecho constituyó una ruptura cultural de enorme proporciones, porque los patrones estéticos de ese momento, no aceptaban la posibilidad de que el rock tuviera en manifestación autónoma en lengua española.

 En marzo del 68, Los Sbirros con Spinetta como invitado, fueron contratados para actuar en Rawson durante el carnaval. Con ese dinero Spinetta se compró su primera guitarra eléctrica y Del Guercio el bajo. Pocos días después García fue dado de baja y el grupo comenzó a ensayar diariamente en la casa de Arribeños 2853, de los padres de Spinetta, con una puntualidad rigurosa que se extendía entre las 17 y las 20:30. Novoa, el tecladista, simplemente dejó de ir a los ensayos y el quinteto quedó finalmente como el cuarteto que pasaría a la historia: Luis Alberto Spinetta (voz líder y guitarra), Rodolfo García (batería y voz), Emilio del Guercio (bajo y voz) y Edelmiro Molinari (guitarra líder y voz).

 La banda se llamó inicialmente Los Beatniks,​ La Organización y luego El Tribunal de la Inquisición, y se barajaron incluso nombres como Vicuña y Aquelarre (que después sería el nombre de la banda de Del Guercio y García) hasta que estos últimos dos propusieron el nombre definitivo: Almendra.

 Fue una cosa que nos llevó meses, porque nosotros nos habíamos puesto nombres terribles: Vicuña, no sé, cada cosa... Hasta que Rodolfo y Emilio dijeron: “Ya está el nombre, es Almendra”. Y fue como encontrar “Eureka”. Nadie dijo: “Me parece que no”. En ese momento ya estaba la onda de que los grupos no tuvieran el “Los” adelante. Había salido el libro de Yoko Ono, Pomelo. Y Marmalade, y toda una moda de no poner más “Los” antes del nombre.

A medidos de 1968, en un debate posterior a un recital de Los Gatos en el Teatro Payró, Spinetta y Del Guercio llamaron la atención de Ricardo Kleiman, conductor del programa radial Modart en la noche, de enorme influencia en la juventud de aquellos años. Pocos días después Kleiman fue a ver un ensayo de la banda, donde tocaron el tema "Where are you going Mary Sue?", un tema en inglés del propio Spinetta. Kleiman quedó complacido y les ofreció grabar un simple en RCA con Rodolfo Alchourron como director artístico. El disco fue editado en noviembre y salió a la venta al año siguiente, con "Tema de Pototo" como lado A, y "El mundo entre las manos", como lado B.
El primero un tema compuesto por Spinetta con Edelmiro Molinari, y el segundo una canción propia. 

En agosto, la revista Pinap realizó una de las primeras crónicas referidas a Almendra:
Almendra se llama el conjunto que seguramente se va a convertir en la sensación de la próxima primavera porteña. El capo del grupo, José Luis, según algunos de los entendidos, está destinado a ser una especie de prolífico Lennon argentino.​

Ese mismo año la discográfica RCA Víctor utiliza varios temas de Spinetta para que los graben otros artistas de la compañía. De este modo "Tema de Pototo" también lo graba Leonardo Favio bajo el título "Para saber como es la soledad", obteniendo un éxito rotundo en toda América Latina. Los In también graban "Where are you going Mary Sue?", el tema de Spinetta y Del Guercio que Kleiman escuchó cuando oyó por primera vez a Almendra, siendo incluido en el álbum Nuestra juventud, lanzado ese mismo año.

El debut de Almendra se produjo en Mar del Plata, en enero de 1969, en la discoteca Matoko's que estaba ubicada en la avenida Constitución, centro de la vida nocturna del balneario, donde tocó durante todo el verano. El diario local El Trabajo realizó la siguiente crónica: El conjunto suena realmente bien. Los muchachos se llaman Carlos Emilio, Rodolfo, Teddy y Luis Alberto. Algunos tienen chivita y todos pelo largo, muy largo. Promedian veinte años y no les gusta cantar en inglés, aunque guste como cantan en inglés. "Se terminó la época de repetir lo que hacen los demás o de hacer traducciones y listo. Tenemos que cantarle a lo nuestro, a lo auténtico", dicen.

En marzo, luego de terminar la temporada veraniega, fueron invitados primero a tocar al Festival de Ancón, en Perú, donde hicieron dos presentaciones, el 16​, y el 24 de marzo realizaron su primera actuación en público en Buenos Aires, en el Instituto Di Tella, en el marco de un proyecto llamado Tres espectáculos beat, en el que también tocó Manal, otra de las bandas que estaban fundando el "rock nacional".

Dos semanas después se presentaron en el Teatro del Globo de Buenos Aires, estrenando varias canciones de Spinetta que integrarían el primer LP, como "Fermín", "Figuración" y "Ana no duerme", y algunas del segundo, como "Hoy todo el hielo en la ciudad" y "Campos verdes".​ Almendra cerró aquel recital con una versión jazzeada del clásico tango-vals "Desde el alma". El recital fue grabado casualmente y de manera casera por Amadeo Álvarez, cantante de Los In y amigo de la banda, y fue editado y lanzado como disco en 2004 por el diario Página/12, constituyendo un notable documento histórico, y en el que pueden escucharse temas de Spinetta que no existen en otras versiones como "Chocolate" y "Continuación del hielo en la ciudad".​

 Spinetta comenzaba a proponer un estilo inclasificable de música, sin preconceptos, en el que la poesía tuviera además un papel determinante. "Spinetta prueba que el acto poético en el rock es indisociable del sonido", dice Fernando García en el número que la revista La Mano dedicara íntegramente al músico en 2006.

El grupo sacó otros dos singles ("Hoy todo hielo la ciudad/Campos Verdes" y "Tema de Pototo/Final") y realizó dos videoclips ("Campos verdes" y "El mundo entre las manos"), considerados unos de los primeros videoclips realizados en Argentina después de los que realizaran Los Gatos.

El domingo 6 de junio en el Teatro Coliseo, en el ciclo de recitales organizados por la revista Pinap, estrenaron "Muchacha (ojos de papel)". El tema expresaba los sentimientos de Spinetta por su primer gran amor, Cristina Bustamante, y se convertiría en una de las canciones más importantes de la música argentina; algo así como el Yesterday de The Beatles, pero con una poesía en su letra que superaba lo hasta entonces conocido en el pop internacional.

A finales de 1969 la compañía discográfica lanzó un nuevo single con «Tema de Pototo» y «Final». El último fue originalmente programado para terminar su álbum debut, pero no se pudo concretar debido a las limitaciones de longitud de tiempo. El Grupo quería «Gabinetes espaciales» para ser el lado A de este simple pero RCA desea promover en su lugar a «Pototo». «Gabinetes...» finalmente se incluyó en el LP de la compilación Mis conjuntos preferidos (RCA Vik 3836).

 Durante la segunda mitad de 1969 Almendra se dedicó a grabar su primer disco larga duración, un álbum histórico considerado en reiteradas ocasiones como el mejor álbum del rock argentino,​ y hasta uno de los mejores del mundo. Lanzado el 15 de enero de 1970, la tapa es un dibujo del propio Spinetta que representa a una especie de payaso llorando, con una flecha de juguete en la cabeza.
La discográfica intentó desechar la ilustración perdiéndolo intencionalmente, pero Luis Alberto lo volvió a dibujar exigiendo que la portada se realizara según sus instrucciones.​

El álbum está integrado por nueve temas, todos ellos de un inusual nivel y todos ellos destacados del cancionero argentino. Siete temas pertenecen a Spinetta: «Muchacha (ojos de papel)», «Figuración», «Ana no duerme», «Fermín», «Plegaria para un niño dormido», «A estos hombres tristes» y «Laura va». Los otros dos temas son «Color humano» de Edelmiro Molinari, una zapada de 9 minutos que rompía con las pautas comerciales de la discográfica, y «Que el viento borró tus manos» de Emilio del Guercio.
 Sin duda el tema más destacado del álbum es «Muchacha (ojos de papel)». En el tema «Laura va», se destaca la participación en bandoneón Rodolfo Mederos, un músico de tango de la línea piazzoliana, en un caso de intercambio entre el tango y el rock muy inusual en aquella época.
El álbum refleja una variedad de raíces musicales, desde el tango y el folklore, hasta Sargent Pepper's de Los Beatles, combinadas creativamente sin esquemas preconcebidos y con una complejidad poética que parecía incompatible con la difusión masiva, aunque ya el tango se había caracterizado por un sólido vínculo con la poesía.

 La crítica de los medios fue dispar. En ese momento comenzó la actitud de Spinetta reacia hacia los grandes medios de comunicación. A los tipos les reventaba que yo acentuara mal, tipo "plegariá" y otras pavadas así y gran parte de la resistencia que tengo hacia la prensa nació en ese momento cuando me di cuenta que varias revistas masivas como Gente o Siete Días hacían notas y tergiversaban las respuestas.

Al cumplirse 40 años del lanzamiento del álbum Del Guercio reflexionó así sobre el significado del mismo: Hoy aquellos temas son clásicos pero, en ese momento, eran considerados de vanguardia. Con el tiempo me di cuenta de que la mayoría de ellos están enhebrados por la tradición cancionística de nuestro país. Son canciones argentinas. La verdadera vanguardia revoluciona lo que hereda. Almendra, fue heredero de la mejor música argentina y combinó sus elementos sin ningún prejuicio.

 El disco fue un éxito y consagró a la banda. Sin embargo las diferencias artísticas y personales entre sus miembros eran muy importantes, y luego de fracasar la preparación de una ópera rock, el grupo se separó, no sin antes editar ese mismo año un álbum doble, conocido como Almendra II, que contiene temas muy conocidos como «Rutas argentinas», «Los elefantes» (reacción a la crueldad de la película Mondo Cane),​ y «Parvas», un tema destacado por Spinetta por su perfil psicodélico.​

El álbum carece de unidad porque refleja las distintas proyecciones que habían emprendido los miembros de la banda en ese año. Para Spinetta se trataba de llegar al «paroxismo», de «que nuestra música se desintegrara».​
 Las razones de la separación de Almendra son complejas y cada integrante varía en el análisis. Lo cierto es que Almendra no pertenecía al grupo de roqueros «del centro», con un estilo de vida más duro, relacionado con las drogas y cruzado por intereses y luchas de poder, que su inclusión se realizó de maneras diversas, influyendo en la ruptura.
 Entre las razones que Spinetta solía mencionar para la separación se destacan la ópera fallida y «el reviente» (término argentino referido al ambiente de la experimentación sin límites bajo el uso de estupefacientes) al que lo llevó un ambiente del que luego buscaría separarse. Para Luis Alberto jugó un papel muy importante la incapacidad de Almendra para asumir con seriedad su propia evolución musical, que se manifestó en el abandono de la disciplina de ensayos que caracterizó a la banda en sus inicios y que los llevó a no poder estrenar una ópera rock ya compuesta por Spinetta.
Se iba a llamar Señor de las latas y su argumento era una representación en clave mágico-simbólica del propio movimiento roquero argentino que estaba surgiendo. Sus personajes eran Litto Nebbia, Moris, Tanguito, Javier Martínez, Roque Narvaja y Miguel Abuelo.
Spinetta interpretaba al Mago de Agua, un ser extraterrestre que se convierte en pordiosero buscándose a sí mismo. La ópera debió haberse estrenado a mediados de 1970, pero la banda solo alcanzó a completar los ensayos del primero de los dos actos. No quedan registros grabados de la ópera, pero varios temas fueron interpretados luego por Spinetta, como «Obertura» (Almendra II) «Canción para los días de la vida» (A 18' del sol), «Ella también» (Kamikaze), «Canción del mago de agua», «Caminata», «Historias de la inteligencia» y «Viejos profetas de lo eterno», estos últimos cuatro interpretados en el recital de presentación de Kamikaze.​

 La rápida repercusión del grupo condujo a numerosas giras y shows, cuyas tensiones y fatigas desgastaron la relación entre sus miembros. A finales de 1970, la banda se disolvió. Una de sus últimas presentaciones fue en el Festival B. A. Rock de ese año, ante 10 000 personas, pero su recital de despedida, en un teatro del barrio de Flores, fue considerado uno de los mejores conciertos que haya ofrecido alguna vez una banda de rock en español.

 "Almendra no se divide, se multiplica" "Ya no estábamos motivados para tocar juntos. No era lo mismo y tomamos la mejor de las decisiones que pudimos. Fue algo duro, una decisión jodida pero lo más sabio que podríamos haber hecho porque se trató de algo totalmente puro. Almendra no era lo que había sido dos años atrás, por diversas razones. Por 4 razones diferentes: porque había un Rodolfo, un Emilio, un Luis Alberto y un Edelmiro que no estaban funcionando como hacia dos años. En el momento en que de alguna manera podíamos capitalizarnos, no sólo a un nivel musical sino en todos los aspectos, decidimos separamos porque ya no estábamos como para producir la música en el nivel que podíamos hacerlo juntos. No fue, como decía algún tarado, por un problema de guita." La frase corresponde a Edelmiro Molinari, en una de sus respuestas a la prensa sorprendida por la separación de una banda que en poco menos de un año se había convertido en la más exitosa del país.
El recital de despedida en Almendra, en un teatro del barrio de Flores, en Buenos Aires, está considerado uno de los más poderosos que un grupo de aquellos tiempos pudiera haber ofrecido. Almendra pasaba de ser un conjunto beat y pop a una banda progresiva con un sonido impensable para un grupo de habla hispana de entonces. Pero la disolución era irreversible mientras el single Hermano Perro se tornaba en un éxito dentro de los ambientes del rock argentino.

 Tras la separación, los miembros de Almendra emprendieron diversos proyectos: Spinetta intentó armar un trío con Edelmiro Molinari llamado Tórax (Banda) que no dejó grabaciones. Luego viajó a Francia y a su regreso grabó un disco solista (Spinettalandia y sus amigos), para más tarde formar Pescado Rabioso; Edelmiro Molinari formó Color Humano (nombre de una canción de Almendra compuesta por él); Emilio del Guercio y Rodolfo García fundaron Aquelarre.

 La idea de reunir a Almendra nunca había dejado de rondar a los miembros. De hecho, cada vez que Edelmiro Molinari volvía a la Argentina (estaba radicado en Estados Unidos), los cuatro se reunían a comer un asado y a zapar. En esas ocasiones la reunión de Almendra surgía invariablemente, pero por una razón u otra terminaban dejándolo de lado.

Almendra volvió a reunirse en 1979 con el fin de realizar sólo dos presentaciones. Pero la inusitada convocatoria de público les llevó a ofrecer seis recitales en el estadio Obras, reuniendo 31 000 personas, una audiencia inesperada para una banda que hacía una década que se había separado, y sobre todo durante la última dictadura militar, en la que la represión había llegado al extremo del genocidio, donde el rock y los jóvenes resultaban automáticamente sospechosos.​
 Documentos secretos desclasificados en democracia, muestran la preocupación y el espionaje de la dictadura frente a la convocatoria popular de Almendra y el intento por evitar que esos recitales se realizaran.​

 (Almendra) ejecuta el género musical denominado rock nacional y sus integrantes hacen alarde de su adicción a las drogas, circunstancia que incluso es insinuada en las letras de algunas canciones que interpretan, como así también el desenfreno sexual y la rebeldía ante nuestro sistema de vida tradicional.
Radiograma 12782/803 del Ministerio del Interior a los gobernadores (4 de diciembre de 1979)

Luego de Obras tocaron en Rosario, Córdoba, Mendoza, y La Plata (donde se produjo una fuerte represión policial con casi 200 detenidos), Rosario y Punta del Este (Uruguay), para cerrar con un recital de «despedida» en el estadio mundialista de Mar del Plata ante 7000 personas, pero el éxito masivo los llevó a mantener la formación.
El regreso de Almendra abrió las puertas a recitales cada vez más masivos de rock durante la dictadura, que estallarían luego de la Guerra de Malvinas, en 1982.

 En marzo de 1980 lanzan el álbum doble del recital en Obras, y a fin de ese año comienzan a grabar un disco de estudio que saldría a la venta en diciembre bajo el nombre de El valle interior. El disco fue presentado en una gira por 32 ciudades, la primera gran gira de una banda argentina, que comenzó en Obras los días 6 y 7 de diciembre y terminó el 15 de febrero de 1981 en el festival cordobés de la ciudad de La Falda. Luego de eso la banda se separó, nuevamente afectada por problemas personales, sobre todo entre Spinetta y Molinari.​

La siguiente y última reunión de Almendra se produjo el 4 de diciembre de 2009, en un concierto multitudinario donde Luis Alberto Spinetta reunió a todas sus bandas en un irrepetible espectáculo que duró más de cinco horas, denominado Spinetta y Las Bandas Eternas.
Allí, Almendra demostró estar conjuntada como en los viejos tiempos e interpretó algunas de sus canciones más emblemáticas, como Color Humano, Hermano Perro, A Estos Hombres Tristes, Fermín y la inmortal Muchacha Ojos de Papel.

viernes, 1 de mayo de 2020

Todo lo que debemos saber sobre La Cofradía de la Flor Solar

La Cofradía de la Flor Solar fue tanto una comunidad de artesanos hippies de La Plata como un conjunto de rock psicodélico formado por los mismos artesanos. Estuvieron activos a fines de los '60 y principios de los '70 y llegaron a tener presentaciones en el festival Barock y un LP. No obstante, el desgaste por la vida comunitaria hizo que en 1971 la comunidad , y por consiguiente el conjunto de rock, se separara. En los años posteriores sus ex miembros pasaron a engrosar filas de destacados conjuntos de rock como Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll, Miguel Abuelo & Nada, Punch, y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.


 El grupo tuvo breves regresos, con otros miembros, 
para lanzar nuevos álbumes en 1997 y 2007. 

 El grupo comenzó como un emprendimiento artístico surgido en el seno de una comunidad hippie platense, hacia 1968. En la comunidad había artesanos, intelectuales, artistas plásticos, músicos, todos muy influidos por la cultura flower power, el pacifismo y los movimientos contraculturales que desembocaron en el Mayo francés, tópicos ineludibles en la cultura joven de la época.

 Entre algunos de los miembros que conformaban dicha comunidad figuraban entre otros el más tarde periodista de rock y ecologista Miguel Grinberg, el guitarrista Kubero Díaz (miembro de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll), el artista gráfico Rocambole Cohen y el guitarrista Skay Beilinson, estos dos últimos, futuros integrantes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

 Una banda hermana de La Cofradía eran los también platenses Diplodocum Red & Brown, con quienes compartían pequeños shows. En Diplodocum también tocó Skay Beilinson, aunque el grupo duró muy poco; no obstante, llegó a editar un sencillo titulado "Blues del hombre de la cara azul"/"Blind Sex" en 1969.

 Ayudados por Miguel Grinberg, en 1968 el conjunto de La Cofrafía logró grabar un álbum, no obstante, ninguna discográfica se interesó en el mismo. En 1969 La Cofradía debutan en un conocido teatro de Buenos Aires (Teatro Del Globo), y editan el sencillo "Sombra fugaz por la ciudad"/"La mufa", que marcó el debut discográfico oficial de la banda, bajo el sello VIK, una rama de la multinacional RCA.

VIK solía apostar en aquella época (fines de los años 60, principios de los 70) por artistas que luego fueron reconocidos como pioneros del rock argentino, como Almendra, Los Gatos o Manal, de modo que La Cofradía sólo fue un fichaje más para la compañía, aunque la banda no seguiría unida contractualmente a esa empresa estadounidense más allá de 1969.

 En 1970 el grupo tuvo su recital más importante en su historia, cuando actuó en el primer festival B.A. Rock, multitudinario evento llevado a cabo en noviembre de ese año, en el cual compartieron escenario con conjuntos del calibre de Los Gatos, Manal, Almendra, Moris, Vox Dei, Alma y Vida, Pajarito Zaguri y Pappo's Blues entre otros. En ese recital La Cofradía tuvo una muy buena recepción del público y de los críticos, constituyéndose en el conjunto revelación del festival.

 Ese mismo año, una canción suya, "Juana", fue incluida en el compilado Pidamos peras a Mandioca, lanzado por ese sello independiente, el cual entraría en quiebra ese mismo año. Como resultado se les ofrece la oportunidad de grabar su álbum debut, por intermedio del sello Microfón, una compañía local importante en el campo del tango y folclore argentino en los años 60, que comenzaba a volcarse a la escena de rock vernácula, llamada "progresiva nacional" en ese entonces (el subsello Talent-Microfón sería creado a tal efecto al poco tiempo).

El disco (homónimo) fue grabado por Kubero Díaz (guitarra y voz), Morci Requena (bajo) y "Manija" Paz (batería), más Enrique Gornatti (guitarra) y Skay Beilinson (guitarra) como invitados. Este álbum debut fue editado en 1971, contando con la producción de Jorge Álvarez (creador del mencionado sello Mandioca) y, como supervisor de grabación, a Billy Bond, el líder carismático de la banda pionera del hard rock argentino, Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll, cantante, productor, y luego también empresario.

 No obstante, a poco de lanzado este álbum debut, el desgaste humano por la vida comunitaria provocó que en 1971 la comunidad de artesanos, y por consiguiente, la banda, se disolviera. 

Tras la disolución de la comunidad hippie, sus miembros emprendieron diversos caminos. Varios miembros pasaron a engrosar las filas de Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll. Otros (como Gornatti, Kubero, Morci Requena y el violinista Jorge Pinchevsky) acompañaron los diversos periplos que hicieron por Argentina y Europa los músicos Miguel Abuelo y Miguel Cantilo, en bandas como Miguel Abuelo Et Nada y Punch.

Esto se explica en la situación densa que estaba viviéndose en el país en aquellos tiempos: el clima sociopolítico se iba enrareciendo en la Argentina de los años '70, los músicos y allegados del rock argentino en general, comenzaron a ser hostigados por las fuerzas del orden y las células paramilitares operativas en el país.

El regreso de Juan Domingo Perón a la Argentina no alteró mucho el panorama, recrudeció el aire enrarecido, la incertidumbre, la fuerte tensión social, y la volatilidad política, y los jóvenes y el rock cayeron presa de esa madeja. Varios grupos fueron disueltos, debido en gran parte a la creciente atmósfera de violencia e inseguridad que se respiraba, y fundamentalmente, al Golpe de estado de 1976.

Varios de sus otrora miembros decidieron partir al exilio, provocando un éxodo artístico que nutrió varios países como México, Estados Unidos, Francia, Reino Unido, pero, fundamentalmente, España.
Tras largos años, en 1997 se anuncia el regreso de La Cofradía de la Flor Solar, con un álbum llamado "El café de los ciegos", con un sonido más modernizado. Para este regreso la banda estuvo conformada por el histórico Morci Requena en guitarra y voz, acompañado por músicos más jóvenes, como Sebastián Rivas en guitarra, Gustavo Meli en batería, Ariel Farías en bajo y Alejandro Moyano en teclados.

A continuación lanzan el año siguiente otro álbum: "Cofrádika", y tiempo después la banda vuelve a disolverse. En 2005 se editó un disco con viejas grabaciones inéditas, "Histórico". Vuelven a reunirse en 2007, lanzando un nuevo álbum de estudio titulado "Kundabuffer", con Sebastián Rivas en guitarra y voz, Morci Requena en bajo y voz, y Gustavo Meli en batería. Este álbum, que contó con arte gráfico integral de "Rocambole" Cohen, fue el primer disco de un grupo de rock argentino disponible para ser bajado gratuitamente (en formato mp3) desde el sitio oficial de la banda (actualmente inactivo).

miércoles, 29 de abril de 2020

Todo lo que debemos saber sobre Iggy Pop

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico Iggy Pop (Muskegon, Míchigan, 21 de abril de 1947), es un músico de rock y actor estadounidense. Considerado uno de los más innovadores aportando en la creación de nuevos géneros dentro del rock tales como el punk rock, el post-punk, la new wave, entre otros, se ha convertido en un icono que ha influenciado a varios músicos desde el inicio de los años 1970 hasta la actualidad.


Fue el cantante y líder de The Stooges, una banda pionera de fines de los años 1960 y principio de la década de 1970, muy influyente en desarrollo del punk rock. La banda se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy bailaba e interpretaba las canciones histriónicamente, a menudo resultando lastimado especialmente por arrojarse encima del público.

Tuvo distintos grados de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus canciones más conocidas son, entre otras, "Search & Destroy", "Lust for Life", "I'm Bored", "The Passenger", "I Wanna Be Your Dog", "Candy" y su versión de "Louie Louie". En 2010, Iggy junto con The Stooges fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.​ Además, ha sido nominado a dos premios Grammy, en las categorías de mejor interpretación de hard rock por la canción "Cold Metal" en 1989 y mejor álbum de música alternativa por Post Pop Depression de 2017.

James Newell Osterberg Jr. nació en Muskegon, Michigan, hijo de Louella Christensen (1917–1996)​ y James Newell Osterberg (1921–2007),​ este último un maestro de inglés y entrenador de béisbol de la Fordson High School en Dearborn, Michigan.​ Osterberg fue criado en un área de remolques en Ypsilanti, Michigan.​ Posee ascendencia germana, inglesa e irlandesa por parte de su padre, y noruega y danesa por parte de su madre.​ Su padre fue adoptado por una familia sueca y tomó el apellido Österberg.​

 Desde pequeño fue un ávido fanático de la música y se interesó por la batería. El músico afirmó en una entrevista años más tarde que en su adolescencia se convirtió en un "estudiante informal de música", obsesionándose con sus diferentes formas.​ Sus padres fueron condescendientes con él y, aunque no tenían mucho dinero, le regalaron un kit de batería y le brindaron todo el apoyo posible para que aprendiera la correcta ejecución del instrumento. Incluso le entregaron su cuarto en el remolque en el que vivían, pues el kit de batería era tan grande que no cabía en ningún otro lugar.​

En una entrevista para la revista Rolling Stone en 2007, Iggy Pop explicó su relación con sus padres y el papel que ellos desempeñaron en su relación con la música desde sus primeros años: Cuando entré a la escuela en Ann Arbor, compartía clases con el hijo del presidente de la Ford Motor Company y con otros chicos distinguidos y ricos. Pero yo tenía una riqueza que los vencía a todos: tenía la gran inversión que mis padres hicieron en mí. Me ayudaron a explorar todo lo que me interesaba. Esto culminó con su evacuación del dormitorio principal en el remolque, porque esa era la única habitación lo suficientemente grande para albergar mi batería. Mis padres me dieron su habitación.

Osterberg empezó en el mundo de la música como baterista en varias bandas de instituto, entre ellas The Iguanas, donde recibió su nombre artístico "Iggy". Más adelante integró la banda The Prime Movers junto a los hermanos Dan y Michael Erlewine. Gran fanático del blues, abandonó la Universidad de Michigan y se trasladó a Chicago para aprender más del género.​ En dicha ciudad tocó en algunos clubes nocturnos, ayudado por Sam Lay (miembro de Paul Butterfield Blues Band), músico que compartía los mismos gustos musicales de Iggy.​

Inspirado por el blues de Chicago y por bandas como The Sonics, MC5 y The Doors, Iggy formó una banda llamada Psychedelic Stooges, pasando de la batería al micrófono. La banda estaba conformada por Iggy en las voces, Ron Asheton en la guitarra, Scott Asheton en la batería y Dave Alexander como bajista. Tocaron su primer concierto en una fiesta de Halloween en una casa en Detroit, Michigan, donde algunos miembros de MC5 estuvieron presentes.

Iggy Pop definió su personalidad escénica tras ver un recital de The Doors en 1967 en la Universidad de Michigan y quedar sorprendido por la personalidad encantadora y a la vez antipática de Jim Morrison.​ El comportamiento extremo de Morrison en tarima inspiró al joven Iggy a brindarlo todo en el escenario. Otras de sus primeras influencias fueron Mick Jagger y James Brown, cantantes con una notable puesta en escena también. Iggy Pop fue el primer cantante que practicó el stage diving o arrojarse hacia el público, algo que realizó por primera vez en un concierto en Detroit.​

 Iggy Pop, que tradicionalmente da sus conciertos con el torso desnudo, también practicaba otros trucos en escena como rodar sobre vidrios rotos y exponerse ante la multitud.​ Estuve en dos conciertos de The Doors. El primero de ellos fue una influencia muy grande para mi. Acababan de tener su gran éxito, "Light My Fire" y el álbum habían despegado... Así que, ahí estaba este tipo, drogado, vestido de cuero con el pelo engrasado y rizado. El escenario era pequeño y realmente bajo. Luego el tipo se puso conflictivo. Me pareció muy interesante. Me encantó su rendimiento... una parte de mí me decía: "Vaya, es genial. Realmente está cabreando a la gente, está haciendo enojar a estos tipos". También pensé: "Si tienen un disco exitoso y pueden hacer lo que quieran en los conciertos, entonces no tengo ninguna maldita excusa para no salir al escenario con mi banda".

 Adicional a la influencia de Jim Morrison y The Doors, Iggy Pop recuerda un concierto al que asistió de una banda conformada por mujeres llamada The Untouchable. En una entrevista de 1995 con la revista Bust, el músico afirmó: Fuimos a Nueva York un par de meses antes solo para ver la escena, nunca habíamos estado en un lugar como ese... bajamos por Eighth Street, donde todos los jóvenes turistas pasan el rato, y allí conocimos a estas chicas de Nueva Jersey, de Princeton, que tenían una banda llamada The Untouchable. Al principio nos reímos de ellas. Nos dijeron: "Vengan a nuestra casa a vernos tocar". Y tocaron para nosotros, sacudiéndose por completo y dejándonos en ridículo". En 1968, un año después de su debut en los escenarios y tocando bajo el nombre The Psychedelic Stooges, la banda firmó un contrato con Elektra Records, nuevamente siguiendo los pasos de The Doors, banda insignia de Elektra en ese momento (de acuerdo con Iggy, el guitarrista Ron Ashton llamó a Moe Howard para consultarle si la banda podía llamarse "The Stooges", a lo cual Howard respondió simplemente diciendo: "No me importa cómo se llamen, siempre que no sea The Three Stooges"). Iggy contó dicha historia en el documental de 2016 Gimme Danger. El primer álbum de The Stooges, titulado de manera homónima, fue producido por John Cale en la ciudad de Nueva York en 1969. Tanto el debut como Fun House, producido por Don Gallucci en Los Ángeles en 1970, obtuvieron escasas ventas. Aunque Fun House no fue bien recibido en su momento, años después fue ubicado en la posición No. 191 en la lista de los 500 mejores álbumes de la historia publicada por la revista Rolling Stone en 2003.18​ Poco después de que se unieran a la banda nuevos músicos, la adicción a la heroína de Iggy ocasionó una breve ruptura de la agrupación. Iggy en un concierto en Toronto, 1973. En 1971, sin un contrato discográfico, la banda siguió tocando en pequeños clubes como un quinteto que incluía a Ron Asheton y a James Williamson como guitarristas y a Jimmy Recca como bajista. Dave Alexander había sido despedido por Iggy un año atrás por sus problemas con el alcohol (Alexander falleció en 1975). Ese mismo año Iggy y el popular cantante británico David Bowie se reunieron en un restaurante en Nueva York.19​ La carrera de Iggy recibió un impulso cuando Bowie decidió producir en 1972 un álbum con el músico en Inglaterra. Con James Williamson registrado como guitarrista, comenzó la búsqueda de una sección rítmica. Al no encontrar a los músicos adecuados en el país británico, decidieron volver a unir a los Stooges. Ron Asheton se movió a regañadientes de la guitarra al bajo. Las sesiones de grabación produjeron el álbum Raw Power, un disco cargado de referencias sexuales y letras provocadoras. Tras su lanzamiento, Scott Thurston fue agregado a la banda en los teclados y Bowie continuó brindando su apoyo, pero el problema de drogas de Iggy persistió. El disco incluyó el clásico "Search and Destroy", posiblemente una de las canciones más populares del grupo en toda su carrera. Raw Power no estuvo exento de problemas y polémicas desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (mánager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Ángeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó. Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de bootleg o disco pirata, una versión titulada Rough Power, con las mezclas personales de Iggy. En 1997, a través del sello Sony Music, se publicó una versión remezclada personalmente por Iggy Pop que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo. La nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores. El último concierto de The Stooges en 1974 terminó en una pelea entre la banda y un grupo de motociclistas, documentada en el álbum en vivo Metallic K.O. Bowie y Berlín: 1976-1978 Iggy Pop en 1977. Tras la segunda ruptura de The Stooges, Iggy grabó material con el guitarrista James Williamson, que no fue publicado hasta 1977 en el álbum Kill City. El disco incluiría además canciones inéditas que formaron parte del repertorio de los Stooges, como "I Got Nothin'" y orientaría su sonido hacia un estilo similar al de The Rolling Stones. Las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación, como se puede apreciar en una de las líneas de la canción homónima: Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees (Hasta que acabes en algún váter, con sobredosis y de rodillas). Este disco, a pesar de ser un trabajo acreditado a Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco de The Stooges, por contener parte del material que formaba su repertorio y gran parte de la esencia de la banda.20​ En ese momento, Iggy no era capaz de controlar su adicción a las drogas, por lo que se internó en un hospital mental para tratar de limpiar su organismo. Uno de sus pocos visitantes era David Bowie, que continuó apoyando al músico incondicionalmente. En 1976, Bowie incluyó a Iggy en su gira Station to Station. Esta fue la primera experiencia del músico en una gira organizada de manera profesional, quedando sorprendido por la ética laboral de Bowie. El 21 de marzo de 1976 ambos músicos fueron arrestados por posesión de marihuana en Rochester, Nueva York, aunque los cargos fueron finalmente retirados. Iggy y Bowie se trasladaron a la ciudad de Berlín para liberarse de sus respectivas adicciones a las drogas. En 1977 Iggy Pop firmó un contrato con RCA Records y Bowie le ayudó a producir los discos The Idiot y Lust for Life, los álbumes más aclamados del artista en su etapa como solista. En este último se incluyó la canción "The Passenger", una de las más reconocidas en la carrera del músico. En Lust for Life colaboraron los hermanos músicos Hunt y Tony Fox Sales, hijos del comediante Soupy Sales, en la batería y el bajo respectivamente. Entre las canciones que Bowie e Iggy escribieron juntos en esa época figuran "China Girl", "Tonight" y "Sister Midnight", grabadas por David Bowie años después e incluidas en sus álbumes de estudio. El músico británico también tocó los teclados en algunas presentaciones de Iggy, registradas en el álbum TV Eye Live en 1978. En compensación, Iggy Pop aportó algunos coros en el disco Low de Bowie. Arista Records: 1979–1981 Iggy Pop, Cardiff, 1979. El músico expresó su disgusto con RCA, admitiendo años después que hicieron TV Eye Live simplemente para cumplir el contrato de tres álbumes con esa disquera. Firmó más tarde con Arista Records, sello bajo el cual publicó New Values en 1979. El disco contó con la colaboración de James Williamson en la producción y de Scott Thurston en la guitarra y los teclados. Este hecho le dio al disco un sonido similar al característico estilo Stooges. Aunque muchos fanáticos del músico alabaron el álbum (algunos incluso prefiriéndolo sobre el material grabado con Bowie), New Values no logró figurar en las listas de éxitos en los Estados Unidos. Sin embargo, consiguió cierta repercusión en Australia y Nueva Zelanda, llevando a Iggy a realizar una gira promocional en Oceanía. Estando en Melbourne, el músico hizo una memorable aparición en el programa de televisión musical Countdown. Durante su anárquica interpretación de "I'm Bored", Iggy Pop no hizo ningún intento por ocultar el hecho de que estaba haciendo lip-sync, e incluso trató de atrapar a las adolescentes en el público. También fue entrevistado por la presentadora Molly Meldrum, un intercambio que con frecuencia era interrumpido por el cantante que saltaba y se sentaba en su silla y hacía fuertes exclamaciones en un falso acento australiano. Su aparición en el programa generalmente se considera uno de los aspectos más destacados de la historia del mismo y cimentó su popularidad entre los fanáticos del punk australianos. En su visita a Nueva Zelanda, Iggy Pop grabó un vídeo musical para "I'm Bored".21​ Durante la grabación de Soldier (1980), Iggy Pop y David Bowie discutieron con Williamson por varios aspectos del proyecto. Williamson afirmó años después: "No estaba contento con una serie de aspectos de ese disco, incluida la banda, el material y las instalaciones de grabación. Así que no estaba contento en general y ellos tampoco".22​ Williamson finalmente abandonó el proyecto. Bowie apareció en la canción "Play it Safe", realizando los coros con el grupo Simple Minds. El disco y su continuación, Party (1981) no lograron las ventas esperadas, lo que ocasionó que Iggy Pop fuera despedido de Arista. Su adicción a las drogas volvió a hacerse presente, con variables momentos de intensidad. Década de 1980 Iggy Pop en 1980. En 1980 fue publicada la autobiografía I Need More, coescrita con Anne Wehner. El libro, que incluye una selección de fotografías en blanco y negro, presentó un prólogo escrito por el artista Andy Warhol. Warhol confesó en su escrito que conoció a Iggy cuando usaba el nombre de Jim Osterberg en el Festival de Cine de Ann Arbor en 1966. "No comprendo por qué no ha podido llegar a ser una verdadera estrella", comentó Warhol. "Es demasiado bueno".23​ El álbum de 1982 Zombie Birdhouse, publicado por el sello Animal de Chris Stein, no pudo obtener una mayor repercusión que los álbumes publicados por Arista, pero de nuevo, en 1983, la suerte de Iggy Pop cambió cuando David Bowie grabó una versión de la canción "China Girl". La canción, originalmente del disco The Idiot, fue una de las canciones más destacadas del álbum Let's Dance de Bowie. Como uno de los escritores de la canción, Iggy recibió una buena suma a modo de regalías. En el álbum Tonight de 1984 Bowie grabó otras cinco canciones coescritas con Iggy (dos de Lust for Life, una de New Values y dos canciones nuevas), asegurándole una tranquilidad financiera a Iggy, al menos por un tiempo. La ayuda de Bowie le permitió al músico tomarse un descanso de tres años, durante los cuales superó su resurgente adicción a la heroína y tomó clases de actuación. En 1984 el músico inició una práctica que se haría costumbre a lo largo de su carrera, aportar canciones para bandas sonoras. La canción oficial para la película de 1984 Repo Man (con Steve Jones de los Sex Pistols en la guitarra, Nigel Harrison y Clem Burke de Blondie en el bajo y la batería respectivamente) y una canción instrumental llamada "Repo Man Theme", fueron incluidas en la banda sonora de la misma.24​ En 1985 Iggy grabó algunos demos con Jones. Se los presentó a Bowie, quien quedó lo suficientemente impresionado para ofrecerse como productor de un nuevo álbum de Iggy Pop, Blah-Blah-Blah de 1986. En el disco, fuertemente influenciado por el movimiento new wave, se incluyó el sencillo "Real Wild Child", un cover de la canción "The Wild One" originalmente compuesta e interpretada por el músico australiano Johnny O'Keefe en 1958. El sencillo se convirtió en un Top 10 en el Reino Unido y logró repercusión a nivel mundial, especialmente en Australia, donde ha sido usado desde 1987 como la canción oficial del programa de televisión Rage. Blah-Blah-Blah fue el álbum más exitoso de Iggy en los Estados Unidos desde The Idiot en 1977, escalando a la posición No. 75 en la lista Billboard 200. Iggy Pop en el Pinkpop Festival en 1987. También en 1985, Iggy Pop y Lou Reed aportaron sus voces para la película musical animada Rock & Rule. Iggy interpretó la canción "Pain & Suffering" en la secuencia final de la cinta.25​ En 1987 el músico apareció como invitado especial junto a Bootsy Collins en el álbum del compositor japonés Ryuichi Sakamoto Neo Geo. El vídeo musical de la canción "Risky", escrito y dirigido por Meiert Avis, ganó el primer premio MTV Breakthrough Video. El innovador vídeo explora las ideas plasmadas en el libro Nostalgia for the Future del filósofo belga FM-2030 en la forma de una historia de amor imaginaria entre un robot y uno de los modelos del artista Man Ray en París a fines de la década de 1930.26​ Se obtuvo inspiración adicional de Jean Baudrillard, de la pintura de 1894 de Edvard Munch Puberty y del ensayo Death of the Author de Roland Barthes. El surrealista vídeo en blanco y negro usa las técnicas de stop motion, pintura de luz y otras técnicas de efectos retro. Meiert Avis obtuvo algunas imágenes de Sakamoto mientras trabajaba en la banda sonora de The Last Emperor en Londres. Sakamoto también aparece en el vídeo pintando palabras y mensajes a una cámara de obturador abierta. Iggy Pop, quien interpreta las voces en "Risky", optó por no aparecer en el vídeo, permitiendo que su espacio de actuación fuera ocupado por un robot. Instinct, álbum de 1988 donde la guitarra fue ejecutada por Steve Jones, músico de la formación original de los Sex Pistols, representó un cambio en la dirección musical. Su sonido se inclinó aún más hacia el estilo de los Stooges que ninguno de sus álbumes en solitario hasta la fecha. Su sello discográfico lo abandonó, pero el programa de radio King Biscuit Flower Hour grabó la gira de Instinct (presentando a Andy McCoy en la guitarra y a Alvin Gibbs en el bajo) en Boston el 19 de julio de 1988. Trabajando con el abogado Stann Findelle, Iggy nuevamente aportó algunas de sus canciones para bandas sonoras: "Living on the Edge of the Night" se usó en la película de Ridley Scott Black Rain y "Love Transfusion", una canción escrita originalmente por Alice Cooper y Desmond Child,27​ fue usada en la cinta de terror Wes Craven's Shocker. Década de 1990: el retorno al rock En 1990 publicó Brick by Brick, álbum producido por Don Was. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N' Roses, Slash y Duff McKagan, que aparecieron en el vídeoclip de "Home", una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el hit "Candy", un medio tiempo melódico cargado de dramatismo en el que el músico canta a dúo con la vocalista de B-52's, Kate Pierson. "Main Street Eyes", "I Won't Crap Out" y "The Undefeated" son otras canciones recordadas de este álbum, que supondría un acercamiento al rock americano más tradicional y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del rock estadounidense como John Hiatt, músico del cual se incluiría una composición, el tema "Something Wild". El álbum fue su primer disco de oro en los Estados Unidos (denotando ventas de alrededor de 500.000 copias). Kate Pierson con Iggy en la canción "Candy" logró ingresar al Top 40 en las listas de éxitos de los Estados Unidos. También en 1990, Iggy Pop interpretó el papel de "El Fiscal" para la ópera multimedia de John Moran The Manson Family.28​29​30​ Ese mismo año contribuyó con la Organización Red Hot en el proyecto Red Hot + Blue, cantando una versión de la canción "Well Did You Evah!" a dueto con Deborah Harry de Blondie. En 1991, Iggy y el guitarrista Whitey Kirst aportaron la canción "Why Was I Born (Freddy's Dead)" para la banda sonora de la película de terror Freddy's Dead: The Final Nightmare. La canción se puede escuchar en los créditos finales de la cinta, con un compilado de clips de la serie fílmica de A Nightmare on Elm Street. En 1992 colaboró con Goran Bregović en la banda sonora de la película El sueño de Arizona del director Emir Kusturica. Iggy cantó cuatro de las canciones: "In the Deathcar", "TV Screen", "Get the Money" y "This is a Film". El mismo año colaboró con la banda de metal industrial White Zombie grabando su voz en la introducción y finalización del tema "Black Sunshine" y apareciendo en su respectivo vídeoclip. En las líneas escritas del álbum La Sexorcisto: Devil Music Volume One se le dedica un agradecimiento especial al músico.31​ En 1993 publicó American Caesar, incluyendo dos exitosos sencillos, "Wild America" y "Beside You". El año siguiente contribuyó en el álbum del guitarrista Buckethead Giant Robot, específicamente en las canciones "Buckethead's Toy Store" y "Post Office Buddy". También apareció en el álbum del grupo francés Les Rita Mitsouko Système D donde canta a dúo la canción "My Love is Bad" con Catherine Ringer. En 1996 vio nuevamente a Iggy en su apogeo cuando su canción de 1977 "Lust for Life" fue incluida en la exitosa película de Danny Boyle Trainspotting. Fue grabado un nuevo vídeo para la canción, utilizando clips de la película e imágenes de Iggy bailando con uno de los protagonistas, Ewen Bremner. Un concierto de Iggy Pop también fue usado como argumento en la película. Ese mismo año fue publicado el álbum Naughty Little Doggie con Whitey Kirst como guitarrista, y el sencillo "I Wanna Live". En 1997 el músico realizó una remezcla del clásico Raw Power para darle un sonido más directo y agresivo, ya que muchos fanáticos encontraron el sonido del lanzamiento original algo "ligero".32​ En la segunda mitad de la década de 1990, Iggy realizó algunas colaboraciones con otros artistas, cerrando la década con el lanzamiento del disco Avenue B en 1999, nuevamente con Whitey Kirst en la guitarra y con la producción de Don Was. Reunión de The Stooges: 2001-2010 El músico publicó Beat 'Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al nu metal, aunque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apartándose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring, colabora con Sum 41, Peaches, Green Day y los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como "Little Electric Chair". Iggy con The Stooges en 2005. También en 2003, la primera biografía no autorizada del artista vio la luz. Gimme Danger – The Story of Iggy Pop fue escrita por Joe Ambrose, aunque Iggy no colaboró ​​en la biografía ni la avaló públicamente. Tras disfrutar su reunión con los Asheton en Skull Ring, Iggy Pop reformó The Stooges con el bajista Mike Watt en el puesto del fallecido Dave Alexander y con el saxofonista Steve Mackay retornando a la formación. Ese año, el músico abrió el concierto en Dublín de la gira Re-invention de Madonna, primera colaboración de muchas que han tenido ambos músicos a lo largo de sus carreras.33​ The Stooges se presentaron en el Festival de Glastonbury en junio de 2007. Incluyeron en su set material del álbum The Weirdness de 2007 y canciones clásicas como "No Fun" y "I Wanna Be Your Dog". Iggy causó cierta controversia en junio de 2007 cuando fue entrevistado en el cubrimiento de la BBC del festival. El músico usó la frase despectiva "paki shop", aparentemente sin darse cuenta de sus connotaciones raciales, provocando varias quejas y una disculpa publicada por la BBC.34​ El 10 de marzo de 2008 Iggy Pop hizo parte de la presentación de Madonna en el Salón de la Fama del Rock and Roll en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York. Con The Stooges interpretó a su manera dos éxitos de la cantante ("Burning Up" y "Ray of Light"). Antes de abandonar el escenario miró directamente a Madonna, diciéndole: "Me haces sentir brillante y nuevo, como una virgen tocada por primera vez", línea de la exitosa canción de Madonna "Like a Virgin". Según el guitarrista Ron Asheton, Madonna le pidió a The Stooges que tocaran en su lugar como una protesta hacia el propio Salón de la Fama por no incluir a The Stooges tras participar en seis nominaciones.35​ El 6 de enero de 2009, el guitarrista Ron Asheton fue encontrado muerto a causa de un aparente ataque al corazón a los 60 años de edad. El mismo año James Williamson regresó a la banda tras 29 años de alejamiento.36​ El 15 de diciembre de 2009 se anunció que The Stooges finalmente ingresarían en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 15 de marzo de 2010. Iggy Pop estuvo, en sus propias palabras, "alrededor de dos horas con una fuerte reacción emocional" ante la noticia, debido principalmente a las numerosas nominaciones sin éxito que había tenido que soportar con la banda.37​ Nuevo milenio y actualidad Iggy Pop en 2007. En 2005, Iggy Pop apareció, junto con Madonna, Little Richard y Bootsy Collins en un comercial de televisión para el teléfono móvil Motorola ROKR. A comienzos de 2006, Iggy y The Stooges tocaron en Oceanía y empezaron a trabajar en un nuevo álbum, The Weirdness, grabado por Steve Albini y publicado en marzo de 2007. En agosto de 2006 la banda tocó en el Festival Lowlands en Holanda, en Hodokvas en Eslovaquia y en el Festival de Sziget en Budapest. El autor Paul Trynka finalizó una biografía de Iggy Pop (con su autorización) titulada Open Up and Bleed y publicada a comienzos de 2007. Iggy fue uno de los artistas invitados en el álbum Profanation de la banda Praxis, publicado el 1 de enero de 2008. El decimoquinto álbum de estudio como solista de Iggy, Préliminaires, fue publicado el 2 de junio de 2009. Inspirado en una novela del autor francés Michel Houellebecq llamada La Possibilité d'une île, Iggy Pop colaboró en la banda sonora de un documental sobre el trabajo de Houellebcq y sus intentos de llevar al cine la historia de su novela. El músico describió el disco como un "álbum más calmado con algunos toques de jazz". El primer sencillo del álbum, "King of the Dogs", presentó un sonido con influencias de jazzistas como Louis Armstrong y Jelly Roll Morton. Iggy Pop afirmó que la canción fue su respuesta por estar "cansado de escuchar idiotas con guitarras tocando música horrible". Iggy Pop en el Festival Hop Farm, julio de 2011. En enero de 2009 el músico participó en una campaña publicitaria para la compañía de seguros británica Swiftcover.38​ Sin embargo el anuncio fue prohibido por la Autoridad de Estándares Publicitarios el 28 de abril de 2009 por brindar falsa información. En el anuncio se mencionaba que el mismo Iggy Pop contaba con un seguro de Swiftcover cuando en ese momento las políticas de la compañía prohibían asegurar músicos.39​ Iggy grabó la canción "We're All Gonna Die" para Slash, el álbum en solitario del guitarrista Slash que salió al mercado en marzo de 2010.40​ En marzo de ese mismo año el músico tuvo un accidente al arrojarse ante el público en un concierto. Iggy aseguró más adelante que no repetiría esta práctica. Sin embargo lo hizo en tres ocasiones en una presentación en Madrid el 30 de abril de 2010.41​ En una presentación en el Hammersmith Apollo el 2 de mayo de 2010 también realizó este ejercicio.42​ El 9 de julio de 2010 nuevamente se arrojó frente al público en Zottegem, Bélgica, golpeándose fuertemente la cabeza.43​ En junio de 2010, Iggy Pop se presentó en Toronto con una reformada alineación de The Stooges. En 2011 colaboró con Sergio Dias de la banda Os Mutantes para la grabación del sencillo "Why?". Iggy Pop fue la imagen en 2011 en una campaña para la PETA en contra de la caza de focas en Canadá.44​ El 7 de abril del mismo año, con 63 años, el músico interpretó la canción "Real Wild Child" en la décima temporada del programa American Idol. Por su presentación, Los Angeles Times afirmó: "Iggy Pop sigue siendo magnético y perturbador".45​ También colaboró con Ke$ha en la canción "Dirty Love", perteneciente al álbum Warrior de la cantante angelina.46​ El 25 de agosto de 2013, The Stooges encabezaron el RiotFest en Toronto y Denver junto a la banda The Replacements.47​ Iggy Pop con The Stooges en 2012. En 2012 el músico fue votado en el Salón de la Fama de la Leyendas del Rock and Roll de Michigan.48​ El 9 de mayo de ese año fue publicado el disco Après, donde realizó algunas versiones de músicos franceses, entre otras canciones de rock clásico. El 14 de octubre del mismo año Iggy llevó a cabo la cuarta lectura en honor al músico John Peel en la ciudad de Salford, titulada "la música libre en una sociedad capitalista".49​ Utilizó la conferencia para analizar sus experiencias en la industria de la música y sus reflexiones sobre el efecto de Internet en su consumo.50​ En enero de 2015 se anunció que Iggy Pop contribuyó con una canción para la película de Alex Cox Bill, the Galactic Hero.51​ También colaboró con la agrupación New Order en la canción "Stray Dog" del álbum Music Complete publicado en septiembre del mismo año. Registró además una colaboración con Tomoyasu Hotei en las canciones "How The Cookie Crumbles" y "Walking Through The Night" del álbum Strangers, publicado ese año.52​ En 2016 grabó un álbum de estudio con el cantante, guitarrista y productor Josh Homme titulado Post Pop Depression. El disco fue publicado el 18 de marzo de 2016, seguido de una gira promocional.53​54​ El 28 de octubre fue publicado el álbum en vivo doble Post Iggy Pop Depression: Live At The Royal Albert Hall por el sello Eagle Rock Entertainment. El 5 de marzo de 2017 el músico interpretó la canción "T.V. Eye" con Metallica en la gira promocional del disco Hardwired... to Self-Destruct en el Foro Sol en Ciudad de México. El 27 de julio de 2018, Iggy Pop publicó un EP con la banda Underworld titulado Teatime Dub Encounters. Iggy había trabajado anteriormente con Underworld en la banda sonora de la película Trainspotting.55​2​ Otras actividades Cine y televisión Iggy ha actuado en contadas películas56​ tanto como actor como autor de bandas sonoras. Destacan sus participaciones en películas como Cry-Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow: City of Angels, Hardware: Programado para matar, Rugrats: la película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, Dead Man y Persépolis. Asimismo, protagonizó una película española llamada Atolladero, dirigida por Oscar Aibar. En 2016 apareció en el documental Danny Says junto a Danny Fields, Alice Cooper, Judy Collins, Wayne Kramer y Jac Holzman, entre otros.57​ Ha aparecido en algunas series de televisión, incluyendo a Miami Vice, Cuentos de la cripta, Las Aventuras de Pete y Pete y Star Trek: Deep Space Nine. Además, sus canciones han aparecido en 18 bandas sonoras, incluyendo Crocodile Dundee II, Trainspotting, Lock, Stock and Two Smoking Barrels, Haggard, Arizona Dream, Repo Man; Black Rain, Freddy's Dead: The Final Nightmare, Shocker y Kurt Cobain: About a Son. Legado Iggy con Marilyn Manson en 2003. Músicos y bandas como The Sex Pistols, The Clash, The Ramones, Nirvana, Boy George, R.E.M., Sonic Youth, Red Hot Chili Peppers, Good Charlotte, Snoop Dogg, Rage Against the Machine, Mudhoney, Marilyn Manson, Joy Division, The White Stripes, The Hives, The Vines y David Bowie, entre muchos otros, han afirmado la influencia de Iggy Pop y de la banda The Stooges en sus respectivas carreras musicales.58​ En la película Velvet Goldmine, Ewan McGregor interpreta a Curt Wilde, un personaje levemente basado en el estilo de Iggy Pop. McGregor interpreta las canciones de The Stooges "TV Eye" y "Gimme Danger" en la película. En la cinta de 2013 CBGB, el baterista Taylor Hawkins encarna a Iggy Pop a finales de la década de 1970. En la serie de videojuegos Super Mario Bros., el personaje de Iggy Koopa fue nombrado en honor al músico.59​ En el videojuego Yoshi's New Island, para la plataforma Nintendo 3DS, el minujuego "Eggy Iggy Pop" también recibió su nombre en honor a Iggy. Plano personal Iggy Pop vive cerca de la Costa Atlántica, al sur de Miami, Florida.60​ Se ha casado tres veces, con Wendy Weissberg (por algunas semanas en 1968, el matrimonio fue anulado poco tiempo después), con Suchi Asano (1984–1999),61​ y más recientemente con Nina Alu. Tuvo un hijo, Eric Benson, nacido en 1970.62​ En la década de 1990, Iggy inició fuertes amistades con Johnny Depp, Jim Jarmusch y el artista del tatuaje Jonathan Shaw. Según Shaw, los cuatro usaban anillos a juego que representaban una calavera, y todos menos Iggy Pop se hicieron un tatuaje de diseño similar.63​

martes, 14 de abril de 2020

Las segundas partes, algunas veces fueron buenas: Raras versiones de Loquero de bandas Under / Disco 2

Raras versiones de Loquero de bandas Under
Parte 2
año 2020













lista de bandas / temas

01 Los Podriditos - Días de roche
02 Cussy Fernandez - Frio (con Chary)
03 Revoluxión 88 - The vegan doctor show
04 Mosca - Desde aqui
05 Eugenia Garcia - Papi
06 Pasta Base - Lados 2
07 Repelente - Peinala
08 Bebé Criminal - Vicky vomitó
09 Antes Que Nada - Atlántida
10 Podría Ser Peor - Esculturas
11 Kiloma - Frio
12 The Garkas - Golpe bajo

Disco Fax
año 2020

escuchalo completo en / Full Youtube

compilado de covers versinonando a
LOQUERO
por diferentes bandas under
y varios solistas.
Raras versiones de Loquero de bandas Under / Disco 2
viene a ser una segunda parte, seis años después.

más info y contacto / Disco Fax

miércoles, 1 de abril de 2020

The Restarts & Eskoria ~ Time is right [Buenos Aires • London]

Hace unos años, la banda de Punk Rock inglesa The Restarts, visitó Buenos Aires y compartió fecha con una gran banda amiga: Eskoria.

Lo más genial de todo ésto, es que entre los integrantes de ambas bandas, pegaron tanta buena onda, que hicieron juntos ésta bonita canción.


Hace un tiempo estuvimos charlando con Fabián, uno de los Eskoria, y decidimos subir el tema al canal de DISCO FAX.
Espero les guste.

The Restarts & Eskoria ~ Time is right [Buenos Aires • London]

Compartan.
Difundan --- 2020.

viernes, 27 de marzo de 2020

-Belén Gopegui # Deseo de ser Punk-

Adolescencia: sinónimo de rebeldía. 
Así lo han entendido la mayoría de escritores. 
Ejemplos: Robert Musil y Las tribulaciones del estudiante Törless, Alan Sillitoe y La soledad del corredor de fondo, J.D. Salinger y El guardián entre el centeno. 
Otro sinónimo para la adolescencia: inmadurez. 
Porque largarse de casa sin un duro, apostar al todo o nada, es propio de alguien que aún no ha asumido la reflexión como paso previo a sus decisiones. 


Sin embargo, Martina, la protagonista de Deseo de ser punk, séptima novela de Belén Gopegui, va a contracorriente. A sus dieciséis años, Martina ha suspendido varios exámenes por una razón que sus padres no entienden, pues no es una mala alumna, y enfrenta una tragedia: el padre de su mejor amiga ha muerto y ella siente esa muerte como propia. Aquel hombre trabajaba como asistente social en una fundación, se dedicaba a ayudar a los desvalidos pero no era un candidato a santo, también tenía algunos problemas que apenas son mencionados. La relación entre ambos es descrita al inicio de la novela. En un momento ella recuerda cómo la consoló una vez: “Hay una parte donde nunca nos abrazan. Aunque nos quieran muchísimo. Esa parte está ahí, esa pena. Y nadie llega a tocarla nunca”.  La historia está narrada como una carta a un colega contándole sus sentimientos. Ese colega es Diego, que no es su novio pero parece que lo fuera. 

Gopegui es una escritora con oficio y desmuestra sus habilidades técnicas. Deseo de ser punk fluye con la rapidez de un tema de los Ramones, con la misma velocidad pero con un feeling distinto. A diferencia de una gran parte de los adolescentes, Martina no admira la vocación autodestructiva de ídolos como Iggy Pop; ella elige a un salvador. El lector se encontrará con una adolescente que en vez de tirarle la puerta en la cara a sus padres, accede a dialogar con ellos aunque siente que hay una distancia generacional. Los critica con un tono conciliador que revela una madurez inusual. 

 Como su título lo anuncia, la música es un elemento importante en la novela. “Entrar en una canción tiene que ser como la electricidad. En vez de un sitio, algo que te atraviesa y, mientras lo hace, la atracción hacia unas cosas y la repulsión hacia otras se vuelve muy potente. Tanto que tienes la impresión de estar siendo abducida y ahí estás tú, fuera de órbita, en un sistema planetario nuevo donde importa lo que vibras, deseas, blasfemas y sueñas mientras vives esa maldita canción”. Es lo mismo que uno espera de una novela sobre una chica de dieciséis que sufre una pérdida y busca el norte. La adolescencia es alto voltaje. 

Lástima que las palabras de Gopegui no electrocuten, la historia no pega con la intensidad deseada y quizás parte de la culpa sea la banda sonora elegida. Nadie reclama patadas, escupitajos ni los vómitos de los Sex Pistols. ¿Pero es posible que los dependientes de una tienda de vinilos discutan si AC/DC o Gun’s & Roses tiene el mejor disco de la historia? Si fuera una película de Tarantino, esta clase de diálogo cobraría un significado distinto y divertido, como la charla sobre Madonna al inicio de Reservoir Dogs. 

 ¿Cuál es la intención de Gopegui? 
¿Decirnos que las chicas buenas también existen? 
¿Que no todos los adolescentes son unos descerebrados? 
Martina da miedo a su manera. 

“Bueno, todo eso venía a cuento de que a mis padres les gusta que lea el periódico. Les debe de parecer muy maduro o algo así. Y el periódico es todavía peor que los elfos. Lo escriben muchas personas, pero es como si lo escribiera una sola, un solo tío pesado, barbudito, barrigudo, bien vestido, del que no me fío nada. En internet es diferente. Cuando lo leo en la pantalla imagino a un montón de becarios casi de mi edad. Al final son ellos los que escriben, y lo notas. A veces hay faltas, confusiones, casi siempre cortan y pegan de otros sitios”. 

¿Cómo sabe tanto esta niña? 
Y opina sobre cualquier tema, hasta de las descargas ilegales en internet, de forma conciliadora: “Bueno, por un lado está bien que podamos descargar la música, copiarla y regalarla sin gastarnos muchísmo dinero. Los cedés de las tiendas con sus cajas de plástico me parecen muy caros y absurdos, para nada valen tantos euros como te cobran. Creo que los vinilos son diferentes. Porque son analógicos y la vida es analógica”. A continuación viene una reflexión que parece interesante pero acaba en un enredo. Martina se transforma en ese compañero de clase odiado por su sabiduría, el que siempre levanta la mano para responder al profesor. Cuando discute con sus padres porque considera que nada le impide salir a la calle, se crea la expectativa de la gran aventura nocturna. Es el momento en el cual llega a la tienda de vinilos y los dependientes la llevan a un bar después de cerrar. Ella rechaza una cerveza y los deja. Martina se sabotea a sí misma. 

 En la segunda parte de la novela Martina descubre que su padre se ha quedado en el paro y se encuentra deprimido. Pero es sólo un hecho que se menciona y luego se diluye. Más importante es la muerte de un joven a manos de un policía durante una huelga. “Hay gente que dice que la rabia ha llegado a encauzarse de esa manera porque el chico era griego; que a veces la policía mata a emigrantes y entonces no se organizan grandes manifestaciones”. 

Más adelante Martina y Vera conocen a Jimena, una chica a la cual ayudó el padre de la segunda. Para entonces la música ha mejorado, ahora suena “All the young dudes” y algo de Crosby, Still, Nash and Young. Pero no es suficiente. La fiesta ya ha terminado a pesar de que faltan unas cuarenta páginas. La lista de invitados es bizarra: “Ya sabes, hay gente que se sube a una grúa o a un decimoctavo piso y amenaza con tirarse desde ahí para que le hagan caso. Otros entran en un banco con una escopeta y toman rehenes. Pero yo no quería que me hicieran caso. ¿Quién podía hacérmelo: el Defensor del Pueblo, Obama, Neil Young con sus sesenta y cuatro años?”. 

 Los seguidores de Gopegui la disfrutarán, Deseo de ser punk es otro manual de corrección política. Y en la literatura de hoy en día, cabe todo. Son tiempos de democracia. ~

Fuente - Letras libres.

jueves, 26 de marzo de 2020

Hogar

La realidad ha atropellado la ficción. En el caso de los hermanos Pastor, Àlex (39 años) y David (41 años), los cineastas barceloneses no están satisfechos del todo con la situación de su película. Hogar llega hoy a Netflix convertido en el estreno más importante del cine español este trimestre por el confinamiento obligado por la Covid-19. 


Con las salas cerradas, un thriller con Mario Casas y Javier Gutiérrez en una plataforma como Netflix está llamado a grandes audiencias. “Nosotros no tenemos, es obvio, nada que ver con lo que está ocurriendo. Y además, yo estaba muy feliz pensando en el viaje al festival de Málaga donde íbamos a presentar la película, y eso me lo han quitado”, cuenta entre risas y veras David desde Barcelona. 

En la conversación, realizada la semana pasada a través de Google Hangouts, participa también Àlex desde Los Ángeles. “Para una película que hacemos que no tiene que ver con una pandemia, ella se ha presentado por sí sola”, remata en su broma David. Sus anteriores trabajos fílmicos, Infectados y Los últimos días, se centraban en estas enfermedades. “Nos persigue el tema”. Distribuidores independientes de cine empiezan en España a estrenar ‘online’ Hollywood empieza a adelantar sus estrenos ‘online’ por el coronavirus.

  Hogar describe el descenso a los infiernos de un publicista (Javier Gutiérrez), al que la edad y los nuevos medios expulsan al paro. Por eso debe abandonar su piso de lujo de alquiler, con unas vistas espectaculares sobre Barcelona, y mudarse con su esposa (Ruth Díaz) y su hijo, que no es como a él le gustaría, a su diminuto apartamento. Sin embargo, se queda con un juego de llaves de su anterior vivienda, y empezará a colarse en ella a espiar la aparente vida perfecta de un ejecutivo (Mario Casas), su esposa (Bruna Cusí) y su hija.


Los hermanos se preguntan entre sí si hay reparto físico de correo, y las curiosas situaciones que se dan cuando llegan paquetes preenclaustramiento, antes de seguir con Hogar. “Es extraño hablar de estas cosas hoy. Espero que a la gente le guste porque cargamos con esta nueva responsabilidad de gran estreno”, tercia Àlex. David explica de dónde surgió el germen: “En una de nuestras múltiples mudanzas por cuestiones de trabajo, me di cuenta de que me había quedado con un juego de llaves. 

¿Qué ocurriría si estuvieses lo suficientemente chiflado como para abrir el portal, subir por las escaleras y entrar en el piso para ver quién vive ahí ahora?”. El mayor de los hermanos confiesa que sintió vértigo ante esa posibilidad, “pero había un buen material para empujar a un personaje desesperado, y empezamos a escribir ese papel, sus motivaciones”. La flamante ganadora del Oscar, Parásitos, del coreano Bong Joon-ho, también investigaba narrativamente en la entrada en una casa de extraños que desestabilizarían mental y físicamente a sus habitantes. “Uno hace la película que sabe y que le viene”, apunta Àlex, “y no sé si parece o no. Parásitos es una grandísima película, puede que seamos complementarios. Sin embargo, cualquiera que conozca los tiempos de la industria sabe que un largometraje necesita un tiempo largo de desarrollo. Son casualidades. Nosotros rodamos hace más de un año”. 

 Netflix entró bastante pronto en la producción. “Estaba ya escrita y con una productora, Nostromo, detrás, cuando se la enviaron a Netflix para ver si les interesaba en su ventana de streaming”, sigue el pequeño desde Los Ángeles. “Y al saber el equipo que había detrás, dieron el paso adelante para producirla. Aceptamos la oferta, porque es una oportunidad para llegar a 150 países a los que llega la plataforma, en muchos de los cuales nunca verán un filme español”. Y mientras se mantenga la actual normativa, no habrá grandes estrenos españoles, atados por una ley que regula que si recibes ayuda, debes de estrenar antes en salas. “Es un modelo completamente distinto, cierto”, comenta David. “Todo tiene sus ventajas y sus inconvenientes, y por la coyuntura en la que estamos, hemos salido bien parados. Pero insisto, yo quería ir a Málaga…”. 

Ambos disfrutan del cine tanto en salas como en pantalla casera. En el caso de David, ahora más en su piso, al tener dos hijas pequeñas. “Lo de ir a salas dos veces por semana se hacía ya una entelequia… También te digo que de las películas del año pasado que más me gustaron está Historia de un matrimonio, de Netflix. Eso sí, hay salas y salas, y eso hay que cuidarlo. Vi Puñales por la espalda en una pantalla en Barcelona que… Compramos pulpo como animal de compañía, pero de aquella manera”.

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